MODA EN EL CINE: ORLANDO

Reanudo mi serie dedicada a la Moda en el Cine, con la película "Orlando", dirigida en 1992 por Sally Potter, con diseño de vestuario a cargo de la oscarizada Sandy Powell, y la actriz Tilda Swinton como protagonista.

Cartel promocional de la película

La película está basada en la novela del mismo nombre que escribió en 1928 Virginia Woolf, donde se narra el viaje a través del tiempo que realiza el protagonista, -el joven Orlando- a través de 400 años, en el que además, cambia de sexo. Todo un reto histórico y visual que Sandy Powell acometió de forma impecable, con muy pocas licencias históricas, tan solo aquellas que la directora exigía debido a la complejidad narrativa de la novela.

Orlando aparece vestido con doublet de terciopelo, gregüescos y medias de seda

La historia se inicia en la Corte Isabelina del siglo XVI, en la cual se seguía la moda española, aunque con la ostentación con la que los ingleses la interpretaron.

La reina Isabel I  otorgando la jarretera a Orlando.  Sandy Powell eligió un cromatismo similar para todos los actores que intervienen en esta escena, obteniendo un resultado armonioso.

Tilda Swinton vestida a la moda española del siglo XVI, con gorra de copa baja de terciopelo,cuello de lechuguilla, doublet ornado con perlas y bohemio de terciopelo forrado de piel

Posteriormente, en el siglo XVII, en la Inglaterra de Cromwell, sus seguidores llevaron moda de influencia holandesa, donde el color negro con cuellos blancos de lino y encaje eran símbolos de  la austeridad y puritanismo promulgada por los protestantes. La película refleja esta moda.

Casaca negra con profusión de cintas y alamares

En la segunda mitad de la película, Orlando se convierte en mujer. Una escena onírica donde el protagonista se acuesta vestido de blanco al estilo de la moda francesa impuesta por Luis XIV, sin quitarse la voluminosa peluca in folio, para despertarse convertido en mujer.

Llegados a este punto, me ha parecido interesante citar a Leah Leone, en su artículo titulado:<<Orlando de Virginia Woolf en la traducción de Jorge Luis Borges (1937)>>  donde explica: 

"Tras su cambio de sexo, Orlando no nota ninguna diferencia en su personalidad, y encuentra que es la ropa la que determina sus actitudes, las cuales tendían al masculino o al femenino según como fuera vestida. Sólo empieza a sentirse mujer en la medida en que los demás la vayan tratando con nuevas expectativas, provocadas por su vestimenta"

Orlando, convertido en mujer, descubre la prisión del corsé y la incomodidad de la indumentaria femenina

Maravilloso vestido "de corte", al estilo francés, que Sandy Powell diseña en color blanco, evitando los colores reales de la época, quizás en un intento de mostrarnos a un ser nuevo, con nuevo sexo, que comienza desde cero.

Escena en la que ya emplea el color, con una indumentaria y tejidos más acordes a la época. Orlando ya se siente mujer en función de cómo la ven los demás.

Cargado maquillaje y peluca empolvada en una escena en la que ella intenta huir de la opresión que supone ser mujer en el siglo XVIII

En el siguiente trailer, podréis ver una de las escenas más interesantes de la película, donde Orlando se introduce en un laberinto con su voluminoso traje. A través del cambio de vestuario, se nos indica que ha pasado del siglo XVIII a los años 60 del siglo XIX, y que a pesar del tiempo transcurrido, la moda femenina solo ha cambiado los incómodos paniers, por una voluminosa crinolina, igualmente opresiva.

Posteriormente, la protagonista luce atuendos diferentes correspondientes a distintas décadas del siglo XIX.

Orlando solo se sentirá liberada de la moda en el siglo XX, cuando eliminados el corsé y el polisón, puede conducir un sidecar vestida con una casaca y unos cómodos pantalones, todo un símbolo de libertad para una mujer independiente al fin.

A todos los amantes del cine y la indumentaria histórica os recomiendo esta película, pues no solo podréis disfrutar con el maravilloso vestuario y su magnífica banda sonora, también es una reflexión sobre el feminismo y sobre la opresiva historia que la moda occidental escribió para las mujeres...

Bibliografía: 
- Bernis, Carmen: La moda en España a través del retrato de Corte
- Kindersley, Doris: Moda. Historia y estilos
- Sichel, Marion: Tudors and Elizabethians

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MODA EN EL CINE: HAMLET. EL HONOR DE LA VENGANZA

La película "Hamlet. El honor de la venganza" rodada en 1990, y dirigida por Franco Zefirelli, es una de mis favoritas en cuanto a vestuario se refiere. De hecho, en mis clases de Historia del Traje, recomiendo a los alumnos que la vean. Sin ser perfecta (la perfección vestimentaria en el cine histórico no existe) es, en mi opinión, una de las películas de temática medieval con un vestuario mejor elaborado. Tanto la formas de las prendas, como los tejidos empleados, se asemejan bastante a lo que pudo ser la indumentaria del siglo XII. A todo ello debemos sumar el maquillaje, el peinado, los tocados y los complementos magníficamente representados, destacando especialmente el maravilloso diseño de las joyas, a cargo del diseñador italiano Gerardo Sacco.

"Hamlet. El honor de la venganza", 1990.

El diseñador, Maurizio Millenotti, recibió una nominación a los Oscar por este vestuario. Lo cual no es de extrañar, pues se percibe a simple vista el magnífico trabajo de documentación previo a la fase de diseño.

Son tantos los aciertos de esta película, ambientada en la Dinamarca de los inicios de la Baja Edad Media, que necesitaría varias entradas para comentarlos todos, así que me centraré en el análisis de aquellos elementos que me parecen más interesantes.

Glenn Close en el papel de la Reina Gertrudis

La silueta femenina tendía hacia la estilización, cuanto más alargada, mejor. En esta imagen, la reina Gertrudis viste un elegante y largo brial - que posee ese aspecto rústico de los tejidos artesanales- con espectaculares "mangas perdidas", que necesitaban ser anudadas para que no rozaran el suelo. 

La diadema y las fíbulas reproducen fielmente la orfebrería de la época

La elección del color azul es todo un acierto, ya que en el siglo XII, triunfaba entre las clases altas europeas, la moda de los tejidos de ese color, cuya tintura se obtenía gracias al azul de glasto y al azul del lapislázuli importado desde Oriente.

Bajo el brial, la túnica o chainse, cuyo amigaut se decoraba mediante bordados y aplicaciones de hilo de oro y seda

También es interesante esta túnica o saya de color rojo, un tono que gustaba mucho en la Edad Media, y que era fácilmente obtenible, gracias a la raíz de la Rubia Tinctorum. Podemos ver claramente la forma de las mangas, ceñidas hasta el codo, para después ensancharse en las bocamangas. Todo un acierto, pues el patrón sigue las líneas de la moda de la época.

Las bocamangas decoradas con aplicaciones de otros tejidos eran comunes entre las clases altas

Otro de los elementos que me han gustado especialmente, son los diferentes tocados femeninos.

Barboquejo y cinta de tela bordada

Griñón con velo. Un tocado propio de las mujeres casadas y las viudas.

Griñón y velo de seda bajo la corona de orfebrería. Un acierto para un vestuario solemne

El vestuario de Ophelia también está bien estudiado. Al tratarse de una mujer joven y soltera, casi siempre aparece con su cabello peinado con largas trenzas, a la moda de la época, o cubierta con una sencilla cofia de lino bordada. 

Ophelia con cofia de lino bordada y Polonio con cofia de lana

Ophelia con camisia, túnica y sobreveste de tejidos naturales

Vestida de forma sencilla, con tejidos de colores crudos que remarcan el aspecto de las fibras naturales, y la fragilidad del personaje.

Hamlet, sin embargo, aparece casi siempre vestido de negro o con colores oscuros, remarcando con ello su carácter atormentado. Además, en su vestuario se han empleado tejidos gruesos, como la lana y la piel (muy empleados en la época) apoyando la fuerza del personaje.

Las escenas que transcurren en el gineceo del castillo, son particularmente interesantes para todos los amantes de la Historia del Traje, pues describen el ambiente en el que las mujeres de las clases aristocráticas pasaban horas hilando, tiñendo las fibras, tejiendo, cosiendo y bordando. Durante toda la Edad Media, las mujeres se ocupaban de las tareas relacionadas con los tejidos y la indumentaria.

A la izquierda, el telar y el bastidor para bordar. Al centro, la mesa de corte, y a la derecha vellones de lana puestos a secar después de ser teñidos

Mesa de corte y mujer bordando a la derecha

Después de realizados, los bordados "de aplicación" se cosían a las prendas ya confeccionadas

Por último, señalar el "guiño" que nos hace Franco Zefirelli, (siempre fiel a los detalles) cuando nos muestra a Ophelia bordando un lienzo con hilos de lana de colores. Una clara referencia al famoso "Tapiz de Bayeux" que todos conocemos, datado en el siglo XI.


Os dejo el trailer de la película, donde podemos contemplar ese maravilloso vestuario en acción.

Bibliografía: 
DUBY, George y PERROT, Michelle: Historia de la Mujeres. La Edad Media. Taurus. Madrid, 1992

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MODA EN EL CINE: LA FERIA DE LAS VANIDADES (VANITY FAIR)

Inicio este nuevo año 2014, con la primera entrega de una serie muy personal sobre el diseño de vestuario en el cine, donde pretendo dar mi opinión como historiadora del traje sobre aquellas películas de época, cuya indumentaria me ha resultado más interesante, señalando aciertos y desaciertos, y sin entrar a valorar otros aspectos de la película. 

En esta ocasión comienzo con el vestuario de la película "La Feria de las Vanidades" (Vanity Fair es su título original), diseñado por Beatrix Aruna Pasztor, dirigida por Mirna Nair en el año 2004, y protagonizada por Reese Witherspoon.

La protagonista con mitones acertados, pero con un velo y collar fuera de contexto

La trama de la película transcurre en la Inglaterra de la Regencia, entre los años 1802 a 1833, periodo en el que Londres se consolidó como una de las más atractivas urbes europeas, donde confluyeron las modas importadas de Francia, con algunos elementos ingleses.

Ella viste al estilo francés; con talle alto, tejidos y complementos de colores claros 

Los uniformes militares resultan un tanto artificiosos

En el caso de los uniformes militares, observamos elementos que no son propios de la época, pues algunos han sido confeccionados en tafetán, con brandenburgos y  galones de pasamanería demasiado planos, lo que les lleva a parecer disfraces.

Jonathan Rhys Meyers vestido al estilo dandy

En cambio, el diseño de la indumentaria civil masculina se basa claramente en el dandismo, abanderado en aquel entonces por Beau Brummell, lo cual es un acierto por parte de la diseñadora.

El redingote que luce la protagonista, se inspira en la indumentaria masculina, y presenta, al igual que el vestido, el talle alto, una moda importada desde Francia que perduró en Europa hasta la segunda década del siglo XIX.

Este modelo de algodón me ha parecido especialmente interesante; tanto por su colorido, como por complementarse con el cabello suelto y adornado con una sencilla banda de tela a modo de diadema. Un hermoso conjunto de estilo neoclásico tan de moda en los albores del siglo XIX.

Tocado correcto y collar incorrecto

Los  altos y elaborados tocados con gran profusión de plumas y demás adornos, así como los peinados, se acercan bastante a la extravagancia y variedad del momento.

El color del vestido, el peinado "Ninon" y las joyas de ella son correctas en este caso

La protagonista luce un tocado correcto, pero su  collar es excesivamente "moderno".

El chal de cachemira era un complemento indispensable y ha sido un acierto incluirlo

Damas inglesas ataviadas con vestidos de gala de estilo francés con colas y tocados de plumas

TRAILER DE LA PELICULA

Los estilos generados durante los años de la Regencia inglesa, se reflejan correctamente en el vestuario de la película, salvo en el caso de las joyas (y en otros elementos que iré desgranando en mi página de Facebook) pues en algunas de ellas primó el efectismo visual sobre el rigor histórico, originando una especie de "batiburrillo". En cualquier caso, si somos capaces de olvidarnos de esas licencias que se tomó la diseñadora, la estética del resultado global es muy interesante.


Ahora os toca a vosotros decidir si os gusta y convence el resultado...

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MODA EN EL CINE: KATHERINE HEPBURN (II)

En esta segunda y última entrega sobre mi visita a la exposición que organizó la New York Public Library for the Performings Arts, quiero enseñaros algunos de los fabulosos vestidos que ella usó en el cine, el teatro y la televisión. 

En una entrevista que le hizo Louis Botto a mediados de los años 70, Katherine le comentó que nunca pensó en formar una colección con sus trajes de escena. Quizás por ello no había guardado más, y que "hubiera sido interesante hacerlo", por lo que a partir de ese momento, la actriz mandó inventariar y embalar cuidadosamente todos los trajes que conservaba en un armario de su casa de Nueva York, para ser enviados a un almacén en Conneticut. De acuerdo a sus deseos, la colección fue donada a la Universidad Estatal de Kent, en Ohio.

THE LAKE, 1933

El más antiguo de los trajes de teatro de la colección es el sobrio y elegante traje de novia que Katherine lució en 1933, en la obra de teatro "The Lake". Estrenada en el Martin Beck Theatre de Nueva York, donde interpretaba el papel de Stella Surrege. El diseñador Howard Greer se encargó del diseño de vestuario.

Confeccionado en satén blanco, con cuerpo interior de encaje duquesa, el diseño se concentra en el original escote y  las mangas.

La espalda se cierra con una hilera de pequeños botones forrados con el mismo tejido, y la falda se prolonga en una larga cola

THE LITTLE MINISTER, 1934
Al año siguiente, Katherine protagonizó con la RKO, la película "The Little Minister", dirigida por Richard Wallace. De aquella película, guardó este vestido de gitana, diseñado por Walter Plunkett, siendo el más antiguo de los trajes para el cine que se conserva, ya que la mayoría del vestuario que ella empleaba, era devuelto al guardarropa de los estudios, aunque ocasionalmente, ella se quedó con algunos vestidos como recuerdo.

Blusa estampada de seda, corpiño de terciopelo y  falda de sarga de seda. Enagua de algodón

ALICE ADAMS, 1935

 

También se conservan algunos complementos, como el sombrerito de paja y velo de tul que lució en varias de las escenas de la película "Alice Adams".

"Alice Adams", rodada en 1935 por la RKO, dirigida por George Stevens y diseño de vestuario por Walter Plunkett.

STAGE DOOR, 1937

Este es, en mi opinión, uno de los vestidos más bonitos de la exposición. Es original y delicado, y resume las características principales de la moda de los años 30, pues el público esperaba ver reflejada en el cine la moda más actual. Katherine lo lució en una de las escenas más melodramáticas de la película "Stage Door", rodada en 1937, que protagonizó junto a Ginger Rogers.

 

Confeccionado con organza y seda en color beige, sobre crepe de china. Delicados pétalos de seda se superponen sobre el torso desde el cuello a la cintura, ceñida por un ancho cinturón abotonado de gamuza color magenta. 

Es un diseño de Muriel King, a quien Katherine también frecuentaba como clienta privada. En el siguiente enlace podréis contemplar la escena en la que lo llevaba, y lo que bien que le sentaba... 

THE PHILADELPHIA STORY, 1939-40

 

En 1939 se estrenó en el Teatro Shubert la obra "The Philadelphia Story", dirigida por Robert B. Sinclair. En aquella ocasión, el diseño del vestuario estuvo a cargo de la diseñadora Valentina Schlee.

Organza rosa de seda, chiffon y crèpe de china

El vestuario incluía este sencillo y delicado vestido de novia que Katherine lució en su papel protagonista como "Tracy Lord". Ella lo guardó y conservó en su colección personal, pues le tenía un cariño especial.

 

WITHOUT LOVE, 1942

La diseñadora Valentina Schlee diseñó el vestuario de Katherine para la obra de teatro titulada "Without Love", dirigida por Robert B. Sinclair, y estrenada en el Teatro St. James de Nueva York en noviembre de 1942.

Katherine también solía involucrarse en el diseño de su vestuario, pues sabía claramente lo que favorecía a su atlética figura.

En la imagen os muestro un croquis realizado por ella, donde aporta ideas de cómo debía ser el vestido. 

Edith Head dijo en una ocasión: "Uno no diseña para la señorita Hepburn, diseña con ella"

 

Resultado de aquella colaboración entre Valentina y Katherine, es este precioso y etéreo vestido de organza de seda multicolor con volúmenes en cuerpo y mangas para resaltar la esbelta y delgada figura de Kate.

ADAM´S RIB, 1949

Fotograma coloreado de la película

En una de las escenas de la película "Adam´s Rib", dirigida por George Cukor, Katherine luce un espectacular y escotado vestido de noche en color negro. A sus, por entonces 42 años, seguía poseyendo una figura envidiable, con una finísima cintura que causaba admiración y asombro en cuantos contemplábamos la exposición.

Diseñado por Walter Plunkett, y confeccionado en punto de seda, este elegante vestido se caracteriza por su amplio y drapeado escote, y la sobrefalda también drapeada, que se abre desde la cintura hacia atrás formando una pequeña cola posterior.

Espalda del vestido

 

LONG DAY´S JOURNEY INTO NIGHT, 1962

De la película "Long Day´s Journey into Night", dirigida por Sidney Lumet en 1962, Kate conservó tres de los vestidos con los que aparece. Son obra de la diseñadora inglesa afincada en los EEUU, Sophie Harris Devine de Motley. 

Vestido largo al estilo de principios del siglo XX. Lino en color lavanda, con aplicaciones de guipur

Exótico vestido de Dacron estampado en verde y amarillo sobre fondo blanco

MRS. DELAFIELD WANTS TO MARRY, 1986

Noel Taylor fue el último diseñador de vestuario con el que trabajó, Katherine Hepburn. Fue en la producción realizada en 1986, titulada "Mrs. Delafield want to Marry". Esta película hecha para la televisión fue el comienzo de una gran amistad entre ambos, que Taylor describió como "perfecta, ambos sabíamos lo que le gustaba....se convirtió en mi mejor amiga". 

El traje de novia que Taylor diseñó para ella fue un elegante sari de seda brocada color magenta, y bordados de hilos metálicos.

Concluyo aquí mi descripción de esta magnífica e irrepetible exposición a la que tuve la suerte de asistir en Nueva York. Me he traído muchas más imágenes, pero para no cansaros, las iré publicando poco a poco en mi páginas de Twitter y Facebook que muchos ya conocéis, y cuyo enlace se encuentra arriba, a la derecha. 

 Fotografías post: Karin Wachtendorff

Exposición organizada por la Kent State University Museum
Lugar: New York Public Library for the Performings Arts, Nueva York
Octubre 2012- Enero 2013 
Director: Jean L. Druesedow

Comisarios:
- Barbara Cohen Stratyner 
- Judy R. 
- Alfred A. Rosenberg