MODA MASCULINA: LOS ZAPATOS SPECTATORS

La moda y el calzado masculino eran asignaturas pendientes en mi blog. Hoy he querido remediarlo comenzando por unos zapatos históricos, aunque sean del reciente siglo XX. Se trata de los zapatos bicolor, también llamados spectators. Un clásico que suele regresar a la moda actual de vez en cuando, rescatado por algún diseñador nostálgico.

Modelos de 1923 y 1938 respectivamente. Colección Museo Internacional del Calzado, Romans

Este calzado singular, nació en los EEUU a principios de los años 20. Combina la forma de los zapatos de estilo clásico con colores contrastados, existiendo muchas y variadas versiones.

Los spectators eran algo más que unos zapatos, ya que constituyeron un símbolo de identificación social, con connotaciones ideológicas, pues nacieron junto a la música de Jazz, donde ritmos africanos y europeos se mezclaban. 

Aquellos zapatos de dos colores que usaban los músicos, influyeron poco a poco en el ocio y la cultura de masas de aquellos años.Fue tal la aceptación entre el público masculino, que pronto las firmas de calzado más afamadas comenzaron a fabricarlos, tanto en los centros de moda de Nueva York, como en Europa, aunque en ésta última no alcanzaron tanta popularidad como en América.

 

Formaron parte fundamental del vestuario de un dandy entre los años 20 y 30 del siglo XX

Harold Lloyd en 1922. Calza el modelo Oxford, popular entre los músicos de Jazz

Los spectators fueron calzados por hombres negros y blancos, estrellas de Hollywood, gangsters, personajes de la aristocracia como el Príncipe de Gales, o importantes músicos como Louis Armstrong. Eran todo un símbolo de libertad e independencia.

 
Y de la mano del Jazz, pasaron al cine de Hollywood de los años 30 y 40, gracias a Fred Astaire y Gene Kelly, quienes los llevaron tanto dentro como fuera de la pantalla.

Fred Astaire con spectators modelo Budapest adaptados para bailar claqué

Gene Kelly con mocasines Penny bicolor

Este tipo de zapatos también fueron adoptados  por la moda femenina más informal. Lo vemos en este video de los años 40, donde Fred Astaire y Rita Hayworth bailan claqué con modelos diferentes.

 

Lana Turner en 1942, combina spectators y atuendo de estilo masculino

Publicidad de los spectators femeninos con tacón. Años 40.

A lo largo de la década de los años 40, era habitual verlos complementando looks para el día, junto a pantalones de tonos claros.
 

Douglas Fairbanks Jr. 1942.  Zapatos Spectators modelo Oxford con chaqueta Príncipe de Gales y pantalones blancos

Se consideraban adecuados para recepciones informales o reuniones de trabajo, aunque siempre con el traje apropiado. A menudo se combinaban con chaqueta y pantalón de tonos claros y diferente tejido, con trajes blancos, o bien chaqueta blanca y pantalones negros.

Fred Astaire, que siempre se caracterizó por su buen gusto y elegancia a la hora de vestir, solía combinar acertadamente sus spectators  blanco y negro con chaquetas de espiga en gris y pantalones de franela del mismo color.

Imagen de los años 50. Revista LIFE

En los años 50, volvieron a ponerse de moda entre los estudiantes universitarios americanos, fascinados por la combinación de dos colores. Chicos y chicas, y también profesores los llevaron de forma habitual. Con faldas o pantalones Capri ellas, y con chinos, vaqueros, chaquetas de tweed o jerseys de punto para ellos.

Joven estudiante. Años 50

Actualmente existen múltiples combinaciones de colores, aunque las genuinas eran en blanco y negro, beige y marrón, y blanco y marrón.

Los más clásicos: negro y blanco

Versión de Ferragamo en blanco y beige

Elegante versión en beige y marrón

Spectators versión burdeos y blanco

Los zapatos spectators fueron y siguen siendo todo un símbolo del clásico estilo americano, confiriendo a su dueño un aspecto un tanto extravagante y original. Personalmente me resultan muy sugestivos. ¿Y a ti?

LOS COLORES DE FRIDA

El pasado sábado día 24, se inauguró en Ciudad de México la exposición denominada "Las apariencias engañan: los vestidos de Frida Kahlo", comisariada por Circe Henestrosa.  

En ella se podrá contemplar una parte de los 300 objetos personales de Kahlo, hallados en baúles -permanecieron cerrados desde 1954, año del fallecimiento de la artista- dentro de uno de los baños de la Casa Azul, ubicada en el barrio capitalino de Coyoacán, donde Frida nació y murió, y que hoy en día es su museo. 

http://www.museofridakahlo.org.mx

Portada de la revista Vogue México. Fotografía de Nick Muray, 1946

Frida era una artista que amaba el color, amaba la ropa y amaba adornarse. Su espíritu rebelde la impulsaba a vestirse de una forma totalmente personal, desafiando la moda y costumbres de su época, buscando la provocación, y con ello, ser el centro de atención allá donde iba.

<<En todas las reuniones a las que asisto, y en cualquier parte que estoy, el centro de atención soy yo: con mis hermosos trajes bordados de los indígenas, con mis tocados de flores e inválida >>

(Frida Kahlo)

Cuando analizamos su vida, su obra y su indumentaria, observamos una dualidad latente en ellas; su bisexualidad, la libertad de su mente y la prisión de su cuerpo, su fortaleza y su fragilidad, la humildad de la lana y la soberbia de la seda...

Sin duda, esa dualidad vital y emocional que la acompañó toda su vida, también se manifestó en su forma de vestir y de combinar los colores, algo que nunca dejaba al azar. Si fue cuidadosa con su imagen mientras estuvo viva, también lo fue tras su muerte, ya que antes de morir, dejó dispuesto cómo debía ser vestido su cadáver.

Frida Kahlo. Las dos Fridas, 1939. Colección Museo de Arte Moderno. México, D.F.

Frida concibió para sí misma un estilo ecléctico, basado en una mezcla muy personal de ropa y complementos de diversa procedencia; prehispánico, mestizo, oriental. Añadiendo incluso, prendas de moda europea de finales del siglo XIX que heredó de su madre y su abuela.

Falda roja china bordada a mano seda sobre seda.
Colección Museo Frida Kahlo

Falda amarilla con ancha banda de seda china bordada.
Colección Museo Frida Kahlo

  

Frida vestida de tehuana en Nueva York. Fotografiada por Nick Murray en 1946

Frida sintió predilección especial por la ropa y los tocados de tehuana, a pesar de que nunca visitó Tehuantepec. Era audaz eligiendo y combinando los colores. Para ella tenían un sentido pictórico y sensorial, como cuando unía colores primarios y complementarios en un mismo conjunto. 

Colección Museo Frida Kahlo

Esta falda, de popelín de algodón de un intenso color verde, con aplicaciones en rojo, fue confeccionada por las mujeres amuzgas de Xochitlahuaca. La audaz combinación de colores en una misma prenda fascinaba a Frida. 

Frida fotografiada por Florence Arquin en 1941 y detalle del bordado. 
Colección Museo Frida Kahlo

Empleó colores oscuros en ocasiones, tal vez cuando su ánimo decaía. Es el caso de este conjunto de falda de un intenso y oscuro color añil, que combinaba con un tomicotón o túnica de lana tejida por la comunidad nahua de Hueyapán. En el centro, bordado en rojo, azul y amarillo, un árbol de la vida.

Frida vestida de fucsia, rosa y verde con tocado de inspiración oriental

Rebozo magenta de artisela color fucsia y tocado con flores naturales
Colección Museo Frida Kahlo

Una de las prendas favoritas de Frida, era este rebozo de artisela originario de San Luís de Potosí en color fucsia (su color favorito). Le gustaba combinarlo con tonos morados, o con vistosos rosados, naranjas, amarillos y verdes, obteniendo resultados coloristas de gran impacto visual. 

Conjunto totonaco originario de Papantla, Veracruz.
Colección Museo Frida Kahlo

El blanco y los tonos crudos también tuvieron lugar en su nutrido guardarropa. En la colección aparecen rebozos, huipiles bordados, refajos y faldas de esos colores.

Blusa de manta bordada, originaria de Chilac-Sierra Negra, Puebla.
Colección Museo Frida Kahlo

  

Frida Kahlo, Diego en mi pensamiento, 1943. Colección Gelman  -   Huipil juchiteco "de carita". Colección Museo Frida Kahlo

También suele ser blanco el huipil tehuano "de carita". Es una prenda singular que consiste en una cofia de encaje plisado y almidonado que enmarca el rostro de la portadora. Personalmente, me recuerda mucho a las tocas que, desde época barroca, portan algunas imágenes vestideras que representan a la Virgen.

Frida Kahlo fue una mujer adelantada a su tiempo. No sólo por su forma de pensar y de vivir, también fue precursora de la moda étnica. Mostrando al mundo su fascinación por la rica y colorista indumentaria de las tribus indígenas mesoamericanas. Las cuales desarrollaron desde época prehispánica, una maravillosa y avanzada industria artesanal, rica en recursos técnicos y tintóreos.


  

 

Renato Camarillo Duque. Foto: Claudia Daut/REUTERS

Mi especial agradecimiento a mi amigo Renato Camarillo Duque, responsable del proyecto de Conservación y Restauración de la Colección de Indumentaria y Accesorios del Museo Frida Kahlo Casa Azul. Quien ha tenido la gentileza de facilitarme la bibliografía e información necesarias para la elaboración de este post.

* Fotografías Colección Museo Frida Kahlo: Pablo Aguinaco / Graciela Iturbide

Bibliografía: 

- AA VV: El ropero de Frida. Zweig Editoras. Metepec. Estado de México, 2007

- AA VV: Diccionario histórico de telas y tejidos. Junta de Castilla y León.Salamanca, 2004

MODA EN LOS MUSEOS: EL MUSEO D´ORSAY DE PARÍS

Acabo de regresar de mi última escapada a París, ciudad que me fascina y que visito siempre que puedo. En esta ocasión, realicé un viaje relámpago para visitar la exposición denominada "L´Impressionisme et la Mode", que actualmente se celebra en el Museo d´Orsay. Posteriormente viajará a los Estados Unidos para ser expuesta en Nueva York y Chicago.

  

Tengo que decir que la visita ha superado todas mis expectativas. Pude disfrutar de las obras de los pintores más relevantes del movimiento Impresionista, como Manet, Monet, Degas, Renoir, y de mis adoradas Berthe Morisot y Mary Cassat entre otros.

La exposición cuenta también con fotografías y grabados de moda. Ambos elementos constituyeron un claro referente en los retratos impresionistas.

Eugène Disdèri, La Comptese de Meyendorff et sa mère, 1858. Colección Museo d´Orsay

Grabados de moda

Renoir. Retrato de Mme. Charpentier y sus hijas, 1878. Metropolitan Museum, Nueva York 

Para posar en este retrato de familia pintado por Renoir, la señora Charpentier eligió un vestido negro, de organza de seda, escote cuadrado, y adornos de guipur, terciopelo y chantilly. Es un buen ejemplo del vestido de recepción que se ponía una anfitriona parisina que mantenía un salón. Este tipo de vestidos también se llevaban para asistir a una cena o al teatro.

Traje de tarde, ca. 1880. Faya y seda brochada en azul real

Renoir. La Parisienne, 1874. National Museum Wales

Los impresionistas amaban el color, y los audaces tonos de los vestidos femeninos -obtenidos gracias a los nuevos colorantes químicos- cobraron un protagonismo esencial en los retratos, donde las modelos lucían vistosos trajes de recibir profusamente decorados con volantes, drapeados, cintas y encajes, tal y como dictaba la moda del momento. La confección de este tipo de vestidos de ciudad, requería de la habilidad de sastres y modistas, aunque en ocasiones, las damas los adquirían en los grandes almacenes parisinos.

A. Bartholomé. En el invernadero, ca. 1881. Museo d´Orsay

Retrato junto a la vitrina del modelo original

Algodón blanco y violeta con estampado de rayas y lunares

Este enorme retrato me llamó especialmente la atención, ya que se conserva el modelo original que llevaba la sra. Bartholomé cuando posó para él. Fue donado al Museo d´Orsay en 1990 por la Sociedad de Amigos del museo. Al año siguiente, la galería Bailly donó el vestido. 

Vestidos de verano de muselina de algodón, ca. 1866

Berthe Morisot. Las dos hermanas, 1869. Washington, National Gallery of Art

Las modelos pintadas por Morisot, posan con sendos vestidos de verano de muselina de algodón, cuyo delicado estampado consiste en pequeñas florecillas azules sobre fondo blanco. Las cotonadas estaban de moda en el siglo XIX, pues eran ligeras e ideales para los trajes de día.

Tissot. Retrato, 1876. Tate, Londres

Traje de tarde, ca.1876. Gasa y algodón

Tissot. Julliet, exemple de portrait, 1878. Cleveland Museum of Art

En la exposición podréis contemplar obras de pintores que no pertenecieron al círculo impresionista, que incluso estaban alejados de su estética, como Alfred Stevens o James Tissot. Sin embargo, se ha considerado incluirlos por la minuciosa recreación que hicieron de la indumentaria femenina, donde aparece representada como un símbolo de estatus social, e incluso como un elemento de seducción.

"La toilette est, tout à la fois, une science, un art, une habitude, un sentiment""

(Honoré de Balzac)

Vestido de verano, ca. 1878. Raso de algodón con pequeñas flores polícromas estampadas, adornos de encaje mecánico

 

Manet. La Primavera, 1881. Colección particular

Los complementos, también presentes en la pintura impresionista, se revelan como un elementos fundamentales para identificar a la mujer parisina, que se distingue de las demás por la sofisticación de su indumentaria. En la exposición podréis contemplar zapatos, sombreros, abanicos y sombrillas. La moda francesa más refinada, dictaba que los complementos debían ir a juego con los tonos del vestido.

Sombrero y zapatos, ca. 1875-1885

Finalmente, la moda masculina también tiene representación -aunque muy limitada-, en esta interesantísima exposición.

Degas. Retrato en la Bolsa, 1878-1879. Museo d´Orsay

Vitrina con moda masculina y complementos

   

Chistera,1880. Metropiltan Museum, Nueva York

Por último, quiero recomendar a todos los que tengan pensado desplazarse hasta París, que no dejen de visitar el Museo d´Orsay, pues en esta exposición se unen de forma magistral el arte de la PINTURA con el arte de la MODA.


 

* La exposición ha sido organizada de forma conjunta por el Museo d´Orsay de París, el Metropolitan Museum de Nueva York y el Instituto de Arte de Chicago. 

* Además, ha contado con la colaboración excepcional del Galliera-Museo de la Moda de París, que ha cedido la mayoría de los vestidos y complementos

* Comisarios: Gloria Room, Guy Cogeval, Philippe Thiébaut y Susan Alyson Stein