martes, 28 de marzo de 2017

COSPROP Y LA COLECCIÓN JOHN BRIGHT

Hace un par de semanas, recibí un correo desde Londres. Me escribía Rose Fernández Day, Project Manager de Cosprop, la prestigiosa sastrería inglesa para cine, teatro y TV. Rose me comentó que era una asidua seguidora de mi trabajo de divulgación a través de mis páginas en Facebook y Twitter. Quería que conociera la nueva web  de la empresa, que acaban de estrenar.

En sucesivos correos, Rose me fue contando la historia de Bright y de su empresa. Una historia tan interesante, que he querido compartirla con todos vosotros.

Fundada en 1965 por el figurinista y sastre John Bright, Cosprop Ltd. es una sastrería para cine, teatro y televisión, con fama internacional. Situada en el norte de Londres, esta compañía alberga un stock de más de 50.000 piezas, que abarca varios siglos de Historia de la Moda; desde principios del siglo XVIII hasta 1960 aproximadamente. También hay una pequeña selección de los siglos XV, XVI y XVII. 

Imagen cortesía de Cosprop

Imagen cortesía de Cosprop


Cosprop, cuenta una plantilla de 40 especialistas y profesionales, ha trabajado para series de renombre como Downton Abbey (2010-15), The Crown (2016) Mr Selfridge (2013-16) y Orgullo y Prejuicio (1995), y una amplia variedad de películas galardonadas como Memorias de África (1985), Anna Karenina (2011), La Duquesa (2008), Jane Eyre (2011) y El Discurso del Rey (2010) entre muchas otras.

Ralph Fiennes y Keira Knightley en "La Duquesa"

Magnífico vestuario de "Downton Abbey"
La recordada serie "Mr. Selfridge"
Keira Knightley en "Ana Karenina"



Meryl Streep en "Memorias de África"

Vestido de novia de Karen Blixen en "Memorias de África"
Imagen cortesía de Cosprop

Uno de los hermosos tocados que lucía Streep en "Memorias de África"
Imagen cortesía de Cosprop


Mia Wasikowska en "Jane Eyre"


John Bright comenzó a coleccionar piezas de ropa originales a principios de los 60, mientras estudiaba diseño, para poder analizar de cerca la confección, siluetas, tejidos y ornamentos de las mismas. Poco después, John pasaría a alquilar esta pequeña colección, para obras de teatro y televisión, dando así forma a su empresa Cosprop Ltd. 

Con el tiempo, la extrema fragilidad de las piezas antiguas llevó a la necesidad de hacer réplicas, dando lugar al crecimiento del stock y la expansión de la compañía. El sello de Cosprop se define por la práctica de basarse en modelo originales de cada época. También por el uso de técnicas, tejidos, adornos y botones auténticos siempre que sea posible. Aunque el stock todavía mantiene alguna de esas piezas originales, la mayoría están reservadas sólo para su estudio, conservadas en lo que ellos llaman el ‘museo’. 

Uno de los vestidos del siglo XIX, que podréis contemplar en detalle a través de la web.
 Imagen cortesía de Cosprop
A mediados de los 70, la reputación de Cosprop ya había comenzado a atraer a figurinistas como Tony Walton, quien obtuvo el Oscar al mejor vestuario por "Asesinato en el Orient Express" (1974) o Anthony Powell, conocido por las también premiadas "Tess" (1979) y "La Mujer del Teniente Francés" (1981).


Meryl Streep en "La mujer del teniente francés"

La oscarizada figurinista Jenny Beavan acudió por vez primera a Cosprop para preparar la película "Las Bostonianas" (1984). La contribución de John Bright fue tan grande, que Beavan decidió compartir el crédito de figurinista con él, siendo ésta la primera de muchas colaboraciones y el despegue de Bright como diseñador. 



Vanessa Redgrave en "Las bostonianas"


Jenny Beavan y John Bright

Beavan y Bright hicieron juntos la mayoría de las icónicas películas de Merchant Ivory; entre ellas "Maurice" (1987), "Howards End" (1992), "Lo que queda del día" (1993), además de "Sentido y Sensibilidad" (1995). Aún así, la película más recordada y por la que este dúo de figurinistas ganó un Oscar en 1987 fue "Una Habitación con Vistas" (1985), epítome de la estética de la productora Merchant Ivory, de Cosprop y del cine de época británico, alcanzando tal nivel de calidad, que han llegado a ser los máximos referentes en el cine de época a nivel mundial.


Emma Thompson y Anthony Hopkins en "Lo que queda del día"

"Habitación con vistas"
Vestuario a cargo de Jenny Beavan y John Bright



Sin embargo, para Bright, el proyecto con el que más disfrutó fue "La Copa Dorada" (2000), cuyo vestuario fue diseñado únicamente por él: 

<<“La Copa Dorada" es la película de la que más he aprendido y que ilustra mejor mi trabajo. En ella había influencias del Renacimiento italiano, de los vestuarios de los Ballets rusos, la pintura de Sargent y Boldini...en fin, todas las cosas que me interesan>>. (John Bright)

Uma Thurman en "La copa dorada"

La historia de uno de los vestidos que lleva la actriz Kate Beckinsale para interpretar a Maggie Verver en esta película, es quizá la más ilustrativa de la forma en que se trabaja en Cosprop



Detalle del vestido de satén y encaje confeccionado a partir de un modelo traído desde Rusia
Imagen cortesía de Cosprop

Según Bright, el vestido, de satén color albaricoque claro y encaje color crema, estaba confeccionado a partir de un vestido de una gran duquesa, traído desde Rusia justo antes de la Revolución. Bright recibió el vestido en muy mal estado con la base de satén a punto de desintegrarse, sin embargo el encaje estaba intacto:


<<Separamos lo que quedaba sin dañar, y a partir de las piezas de encaje, e inspirándome en su color original, diseñé un vestido más apropiado para Kate, con un corsé más entallado y mangas para que no distrajera al espectador cuando sujeta la copa dorada en el aire. Los lazos verde claro y las joyas son parte de esta nueva vida del vestido>>. (John Bright)



Hay más ejemplos de re-apropiación de piezas originales en la película, por ejemplo el vestido de Cleopatra que lleva el personaje Charlotte Stant, fue confeccionado a partir de bisutería de principios del siglo XX, que Bright adquirió en el mercadillo londinense de Portobello Road. Las piezas de tejido plisado de la falda, hacían referencia al Antiguo Egipto, a la vez que le aportaban movimiento.

Uma Thurman en la "La copa dorada"
Lady Paget, 1897.
Lafayette Archive- V&A Museum
























La escena de la fiesta de disfraces de "La Copa Dorada" es un homenaje a las fiestas que organizaba la legendaria Duquesa de Devonshire, siendo el  traje de Cleopatra que luce la actriz Uma Thurman, un guiño al disfraz (un diseño de la Maison Worth) que llevó Lady Paget en una de esas celebraciones. 



Gracias a una cuantiosa subvención recibida por parte del Heritage Lottery FundCosprop ha llevado a cabo un proyecto único, a través del cual unas 300 piezas de la colección (que abarca varios siglos) han sido fotografiadas, poniéndolas al alcance del público a través de una página web. Esta es la primera vez que la colección sale a la luz, poniéndola al alcance de investigadores y estudiantes. Se trata de una fuente de documentación gratuita y detallada en un acto totalmente altruista por parte de John Bright. Una iniciativa que ha sido acogida con gran entusiasmo por el público entendido.


Algunos miembros del entusiasta equipo humano que trabaja en Cosprop,
Al fondo, con camisa a rayas, Rose Fernández Day




Cosprop ha participado también en seminarios y colaboraciones encaminadas a difundir de forma pública y directa su historia, su buen hacer, y su magnífica colección. De este modo, todos podremos conocer de primera mano, cómo es el día a día del trabajo en equipo del departamento de vestuario de esta maravillosa sastrería.


Imagen de grupo durante la conferencia impartida septiembre de 2016 en el V&A Museum de Londres. En ella, participaron las dos primeras figurinistas de la serie Downton Abbey, Susanna Buxton y Caroline McCall. Tres sastras de Cosprop que participaron en la elaboración de los trajes; Donna Simmons, Caroline Green y Thais Demontrond. Así como la conservadora del British Film Institute, Claire Smith



Lo que diferencia a Cosprop de otras sastrerías para cine, es su afán por reproducir la realidad histórica, más allá de la teatralidad tradicionalmente vista en producciones de época. De hecho, John Bright está considerado como uno de los pioneros en llevar el diseño de vestuario hacia la recreación más plausible del pasado. Algo que es digno de reconocimiento, pues sabemos que esto no siempre ocurre en otras producciones.

De espaldas, John Bright durante una conferencia impartida en el V&A Museum
Imagen cortesía Cosprop


A pesar de que Bright ha aceptado menos proyectos como figurinista en los últimos años, se mantiene "al pie del cañón" como director artístico de su empresa. Además, sigue siendo un referente primordial para los figurinistas que eligen trabajar con esta importante empresa de vestuario escénico.






Agradecimientos:

Rose Fernández Day

Cosprop Exhibitions Department

The John Bright Historic Costume Collection Revealed








martes, 21 de febrero de 2017

MUSEOS CON ENCANTO: MUSEO DEL ENCAJE DE ARENYS DE MAR

Hoy quiero hablaros del Museu Marés del Encaje de Arenys de Mar. Un hermoso lugar que tuve la fortuna de visitar, tras recibir una invitación personal de Neus Ribas San Emeterio, su directora. Neus es una mujer apasionada por el mundo de los encajes y su historia. Ella me guió por las instalaciones del museo, incluyendo sus magníficos fondos.

Fachada exterior del Museu Marés del Encaje. Arenys de Mar

Neus Ribas, directora del Museu del Encaje de Arenys de Mar

El Museo Marés del Encaje, se inauguró en 1983, gracias a la donación de Frederic Marés. Se ubica en el antiguo Hospital de San Jaume, un magnífico edificio que data del siglo XVIII. En su extensísima colección, podréis encontrar una amplia muestra de las diversas técnicas y trabajos de lugares como Castilla, Galicia, Cataluña, Bélgica, Francia, Italia, Inglaterra, etc...

La exposición permanente se recorre a través de sus dos plantas


Pañuelo de algodón bordado y ribeteado con encaje valenciennes realizado con bolillos.


En cuanto a las técnicas, en el museo es posible contemplar piezas de encaje realizadas a la aguja, o con bolillos, técnica que me fascina particularmente, por el gran trabajo que conlleva, y por los exquisitos resultados que se obtienen. 


En la primera planta, el museo dedica una amplia muestra al oficio de encajera. Un trabajo que las mujeres aprendían desde la niñez, debiendo soportar duras condiciones de trabajo muy poco reconocido y remunerado. De la habilidad y destreza de las encajeras depende en gran medida el éxito final del producto.

Mundillo vertical para elaborar el encaje de bolillos.

El encaje artesano vivió su último esplendor a principios del siglo XX con la influencia del estilo modernista. Por ejemplo, en Cataluña diversos dibujantes de encajes desarrollaron nuevas formas estéticas, tal es el caso de la figura de Marià Castells Simón, dibujante de Arenys de Mar, que realizó magníficos diseños de estilo modernista para la ropa de hogar, y albas de ajuar eclesiástico.

Albas
A través de la numerosa colección que alberga el museo, podréis contemplar todo tipo de piezas realizadas con encaje; desde volantes, hasta indumentaria y complementos.


Velo de estilo Imperio. Punto de Italia, ca. 1810


Volante de encaje de binche, primera mitad del siglo XIX.
Colección Carmen Delgado




Vitrina dedicada a la Colección Carmen Tórtola Valencia
Depósito Colegio Arte mayor de la Seda de Barcelona

A lo largo de la segunda planta, el museo nos ofrece una gran diversidad de trabajos de distintas épocas; elaborados con técnicas de malla, bordados y encajes de todo tipo. Además, hay una sala dedicada enteramente al encaje en Cataluña; su historia, geografía y tipologías. 

Muestra de ret fi realizado con bolillos

Destaca especialmente el ret fi o encaje de Arenys. Este tipo de encaje, se desarrolló a fines del siglo XVIII, y se caracteriza por sus diseños geométricos, similares a otras técnicas europeas de la época, como el encaje de Lille, el Malines o el tonder. El ret fi se elaboraba en algodón o lino blancos.


Muestrario de los principales tipos de encaje de Cataluña

Muestrario de encaje mecánico.
Cataluña, primera mitad siglo XIX

Máquina sistema jacquard para realizar encaje mecánico.
Sabadell, segunda mitad siglo XX
Al final del recorrido, Neus me enseñó los fondos del museo. Allí se guardan auténticas maravillas.








Además de su extensísima colección, el museo ofrece una importante tarea didáctica a través de cursos, charlas y talleres. 


Si te apasiona el delicado y sutil mundo de los encajes, éste será, definitivamente, tu museo favorito.



Museu Marès de la Punta
C/ de la Iglesia, 43
08350- Arenys de Mar
tel:(0034) 93 792 44 44

museu@arenysdemar.cat
http://museu.arenysdemar.cat

Horario de visita:
De martes a sábado de 10 a 13h, y de 16 a 18h.
Domingos y festivos de 11 a 13h. Lunes cerrado






lunes, 28 de noviembre de 2016

MODA EN EL CINE: BARRY LYNDON

El pasado año, Neus Ribas San Emeterio, directora de "Datatèxtil", la revista semestral que publica el CDMT (Centre de Documentació i Museu Tèxtil) me invitó a participar en la edición nº 32, con un artículo dedicado a la moda en el cine. 

Para mí fue un honor y una satisfacción colaborar en esta importante revista -única en su género- que siempre se ha distinguido por la calidad de sus contenidos.

Portada del nº 32 


Sumario de la revista digital, publicada en inglés y español

Para mi artículo elegí la película "Barry Lyndon", dirigida en 1974 por Stanley Kubrick. Cuyo maravilloso vestuario -centrado la moda inglesa de los años 70-80 del siglo XVIII- corrió a cargo de la oscarizada diseñadora Milena Canonero. 


Bajo el prisma meticuloso y perfeccionista de Kubrick, Canonero se dedicó en cuerpo y alma a la preparación de los figurines, consultando previamente todo tipo de fuentes históricas. Kubrick no quería una interpretación idealizada. El objetivo era reflejar fielmente la moda de aquella época; desde los patrones, las siluetas, colores y tejidos, hasta los complementos, maquillaje y peinados.  






La riqueza y atractivo del vestuario de la película, estriba en que en ella podemos contemplar modelos pertenecientes a todos los estamentos sociales; campesinos, nobles, militares, clérigos e incluso indumentaria infantil. 




Sin duda, se trata un filme pionero en el tratamiento del vestuario cinematográfico. Concebido como un elemento integrador, destinado a aportar verosimilitud a la historia que se cuenta.






Sin más, os dejo el enlace que os llevará a la lectura de mi artículo:

MODA EN EL CINE: LA ANGLOMANÍA EN BARRY LYNDON





Otros post en este Blog dedicados a la moda en el cine:

ORLANDO
IL RACCONTO DEI RACCONTI
MRS HENDERSON PRESENTA
HAMLET. EL HONOR DE LA VENGANZA
LA FERIA DE LAS VANIDADES





lunes, 7 de noviembre de 2016

"LA INFANCIA DESCUBIERTA". MODA INFANTIL EN EL MUSEO DEL PRADO

Si os gusta la pintura y la moda del siglo XIX, ésta es una oportunidad única. Hasta el 15 de octubre de 2017, en la sala 60 del Museo del Prado, se expone una cuidada selección de ocho retratos infantiles, correspondientes al periodo isabelino. A través de ellos podremos contemplar cómo se vestía a los niños en aquella época.

Los retratos están fechados entre 1842 y 1855
Foto © Museo Nacional del Prado 

El conjunto de retratos reflejan diversas interpretaciones de la infancia. Tema predilecto entre los artistas decimonónicos, debido a la creciente demanda de retratos infantiles por parte de la aristocracia y la burguesía.

 Luis Ferrant y Llausás: Isabel Aragón Rey, 1854.
Madrid, Museo Nacional del Prado 


Vestido de niña con cenefas de tartán. Siglo XIX
Centro de Documentación y Museo Textil de Terrassa

Durante el periodo isabelino, la moda infantil española seguía los cánones del estilo francés. Las madres copiaban los modelos de los figurines procedentes de París. Las niñas vestían versiones en miniatura del atuendo de sus madres; con largos vestidos sobre varias capas de enaguas, para dar forma a las faldas. 

Grabado de moda francés, 1845
Victoria and Albert Museum, Londres



  Carlos Luis de Ribera y Fieve:  Retrato de niña en un paisaje, 1847
Madrid, Museo Nacional del Prado 


Vestido infantil de algodón y entredós de encaje
Philadelphia Museum of Art

Algunas madres encargaban para sus hijas, pequeños miriñaques que les aligerasen el peso de tantas enaguas. Las más pequeñas llevaban las faldas más cortas, dejando ver las blancas pantaletas de algodón, ribeteadas con delicados encajes o bordado inglés. A partir de los seis años, las niñas comenzaban a llevar un pequeño corsé. 



Valeriano Domínguez Bécquer: Retrato de niña, 1852.
Madrid, Museo Nacional del Prado. 
Este retrato es especialmente interesante, pues sobre el tafetán verde botella, destacan pequeños madroños que nos recuerdan al traje de "maja", moda iniciada a finales del siglo XVIII. 

Botinas de niña, ca 1855
Met Museum, Nueva York
El calzado más usual, era unas botinas de piel de cabritilla para los días de diario. Para las ocasiones más formales, podían ser de raso bordado a juego con el vestido.


Joaquín Espalter y Rull:  Manuel y Matilde Álvarez Amoróso
Madrid, Museo Nacional del Prado 

Vestido de niña en tafetán rosa, ca. 1860

En invierno, el atuendo para salir a la calle se completaba con guantes, y abriguitos de paño para los días de diario. Terciopelo de algodón y piel para los días especiales. Para cubrir la cabeza, capotas forradas para las niñas, sombreritos y gorras para los niños.  

Hasta los cinco años, niños y niñas vestían de la misma forma, sin distinción de género. En cuanto a los tejidos empleados,  los más populares eran el terciopelo, tafetán, organdí, tarlatán y el barege.



Federico Madrazo y Kuntz: Retrato de Federico Florez, 1842
Madrid, Museo Nacional del Prado

A partir de los 6 ó 7 años de edad, los niños comenzaban a llevar pantalones largos. La moda para ellos era mucho más funcional y cómoda que la de las niñas. A menudo se componía de un conjunto de chaqueta y pantalón de paño del mismo color. Sombreros, distintivos y botones dorados de inspiración militar, les aportaba un aire de formalidad.




Foto © Museo Nacional del Prado


"Durante el Romanticismo, las virtudes asociadas a la niñez, como son la espontaneidad, la gracia, la inocencia, la falta de contaminación por los aspectos negativos de la civilización, son valoradas de un modo excepcional. Las imágenes de niños entonces, son requeridas por parte los antiguos clientes; la aristocracia, y de una burguesía cada vez más extendida". 
        (Javier Barón)






Comisario de la exposición: 

Javier Barón. Jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX 



Agradecimientos:


Área de Comunicación del Museo del Prado